Blog culturel
La galerie Itinerrance, à deux pas de la BnF Mitterrand et des Frigos, présente jusqu’au 13 avril les œuvres de Borondo. Jeune madrilène fraîchement apparu dans la sphère du Street Art, Borondo, encore méconnu des parisiens, bien qu’il ait réalisé deux fresques à Vitry, ne manquera pas de séduire.
Montréal est une ville extrêmement dynamique en matière de création contemporaine et s’est notamment illustrée durant ces dernières décennies dans le domaine du street art. Durant mon séjour, cet aspect de la culture urbaine m’a beaucoup intéressée. J’ai notamment été marquée par l’Espace Peint Frais ou Fresh Paint Gallery, qui me semble être une expérience originale et méritant la réflexion.
En juin 2011, à la faveur du festival de graffiti UnderPressure¹, Sterling Downey, aidé de plusieurs bénévoles, investit les locaux. Ils y ouvrent un nouveau lieu destiné à la création et à la promotion du street art dans les anciens locaux du journal montréalais La Patrie, en plein centre ville. Deux étages du bâtiment sont transformés en espace d’exposition, intitulé « Fresh Paint Gallery ». Mais il ne s’agit pas d’une galerie dans le sens traditionnel du terme: ici, pas de roulement d’expositions, pas de commissariat, pas de catalogue, pas de cartels avec des prix. Continuellement, la présentation des oeuvres change, évolue, au fil des interventions des artistes, à qui rien n’est interdit: ici, tout est espace d’expression, du sol au plafond.
Outre l’exposition permanente d’un certain nombre d’installations, le lieu vit de plusieurs dizaines d’évènements, dont le plus prisé est sans nul doute « Beaux-Dégats » dont la dernière édition a eu lieu dans le courant du mois d’octobre. Le principe est simple: 6 équipes de 4 à 5 artistes/graffeurs s’affrontent durant une battle. Un thème est imposé en début de soirée : les équipes ont alors 2 heures pour réaliser une oeuvre sur un panneau de deux mètres sur deux. Le public déambule librement, sur un fond musical mixé par deux DJ, et vote, à l’aide de canettes de bière vidées, pour la (les) réalisation(s) de son choix. La bière n’est pas chère, et l’ambiance excellente.
Le Street Art étant habituellement cantonné à des pratiques urbaines et illégales, la question de son exposition en galerie, voir même en musée pose évidement question. Quelle est la légitimité de la galerie a présenter un art conçu pour la rue? Extraire le Street Art de son contexte transforme-t-il son sens?
Les attitudes face à cette question de l’exposition dans les galeries et de la marchandisation d’un art né de la rue sont très diverses. Si certains acteurs du Street Art refusent toute forme de présentation hors de la rue, d’autres recherchent la reconnaissance du marché de l’art « conventionnel », allant même jusqu’à produire des graffiti ou des pochoirs sur toile. Pour certains, même, la pratique du street art n’est qu’une étape dans le développement de leur carrière d’artiste: la rue permet de « se faire connaître » et ainsi de pénétrer progressivement le marché de l’art traditionnel.
Fresh Paint, en n’adhérant pas exactement aux règles traditionnelles du monde des galeries, affirme un statut à part. Ici, l’artiste dispose d’une plus grande liberté : c’est cela que de nombreux acteurs du Street Art montréalais apprécient. L’espace est entièrement géré par des bénévoles, il n’y a ni contrat d’exclusivité ni engagement financier de la part des exposants. Si certaines oeuvres sont pourtant à vendre, c’est dans un espace spécifique du bâtiment (proportionnellement assez réduit par rapport à la surface totale d’exposition) qui s’apparente plus à une boutique qu’à une véritable galerie: on y trouve des multiples, des produits dérivés (types t-shirt), à tous les prix. La création accessible à tous!
Quant à la question de l’environnement de création, la configuration des lieux, la nature même des murs en font de Fresh Paint un espace similaire à ceux habituellement explorés par les street artistes. Certes, les problématiques de la circulation, du point de vue ne sont pas tout à fait les mêmes que dans la rue, par exemple. Au delà de ces points, l’artiste retrouve ici la possibilité de dialoguer librement avec les éléments déjà en place, comme il le ferait en contexte urbain. De plus, par ses aspects de « squatt », Fresh Paint ne ressemble-t-il pas un peu aux usines désaffectées qui accueillent certains créateurs?
Conçu comme un projet temporaire et estival, Fresh Peint a fêté ses 14 mois d’existence. Le succès est toujours au rendez-vous. Cependant, «Rester un an, c’était contre nos principes parce qu’on est devenu une institution, a avoue Sterling Downey, le fondateur du lieu. Ce n’est pas parce qu’il existe un lieu que ça crédibilise le « street art ». Un graffiteur n’a pas besoin d’une institution pour valider son œuvre².» Afin de se renouveler, l’équipe de Fresh Paint a décidé de fermer son espace de la rue Sainte-Catherine pour s’installer dans de nouveaux locaux dont l’adresse sera révélée dans les semaines qui viennent.
Pour en savoir plus: le blog de Fresh Paint, sa page facebook et son fil twitter
¹ Depuis 1996, le festival Under Pressure rassemble chaque été, durant 3 jours, des graffeurs du monde entier. Les Foufounes électriques haut lieu de la culture underground sont le quartier général de cet évènement.
² Propos issu de l’article de Geneviève Raymond, « «Beaux Dégâts», une compétition d’art éphémère« , publié le 17 octobre 2012 sur le site de TVA nouvelles.
Jusqu’au 14 janvier, la cité de la Céramique à Sèvres proposait aux visiteurs de découvrir l’œuvre d’une céramiste contemporaine, Kristin McKirdy, qui vient d’achever une résidence de 4 ans dans l’institution. Compte-rendu d’une visite aux cotés de l’artiste, dans le cadre d’une sortie du groupe SMV.
Américaine née au Canada, la céramiste Kristin McKirdy a choisi de s’installer en France il y a vingt ans. Elle est aujourd’hui l’une des plus grandes créatrices de la scène des arts décoratifs français. Son travail a été primé en 2009 par le Prix de l’Intelligence de la Main, décerné par la Fondation Bettencourt Schueller.
L’exposition de la Cité de la Céramique est articulée en deux parties : au rez-de-chaussée, dans l’espace des expositions temporaires, sont présentées une cinquantaine de pièces illustrant le travail de l’artiste durant ces vingt dernières années. A l’étage, mêlées aux collections permanentes, les quinze pièces exposées sont le résultat de la résidence de Kristin McKirdy à Sèvres, entre 2008 et 2012.
Bien qu’il ambitionne de résumer vingt ans de création, le parcours de la première partie de l’exposition ne se veut pas chronologique mais sensible. Dans une scénographie épurée et aérienne, toute la place est laissée à l’esthétique des œuvres.
Les pièces les plus anciennes de l’exposition datent de la période où Kristin McKirdy travaillait le grès. Il s’agit de deux vases fuseaux à l’épiderme bleu, d’une sensualité extrême.
Quand elle découvre la faïence, un matériau imposant moins de contraintes techniques et permettant une mise en œuvre plus sculpturale, son vocabulaire change. Les créations de Kristin McKirdy évoluent alors vers des formes plus rondes, organiques, sensuelles.
Pendant plusieurs années, le travail de création de l’artiste s’est organisé par cycle. Le rapport de l’homme à son environnement, la maternité, la destruction sont au nombre des thèmes qui ont guidés son travail. Si aujourd’hui l’artiste ne procède plus ainsi, ses œuvres restent toujours liées à ces questions à ces thématiques.
Bien que ces thèmes soient au cœur même du processus de création, l’artiste refuse de les imposer aux spectateurs. Souhaitant que ces œuvres entrent librement « en dialogue avec l’imaginaire du spectateur, son bagage, sa propre expérience », elle a demandé à ce qu’il n’y ait aucun cartel apposé dans les salles. Et cela ne pose aucun problème : les œuvres se suffisent à elles-mêmes. Elles sont même tellement fascinantes et si bien exposées que l’on ne cherche même pas ces titres absents. Et pourquoi une explication fixe alors que pour l’artiste ses œuvres sont tout à la fois « un paysage, un corps humain, un couple… et une sculpture, tout simplement » ?
Les œuvres de Kristin McKirdy sont caractérisées par un vocabulaire formel composé de volumes arrondies, sphériques, sensuelles. L’artiste aime jouer sur l’opposition entre la surface et l’intérieur, sur l’apparente perfection du volume (car jamais ses sphères ne sont tout à fait régulières). Outre le volume, l’artiste porte un intérêt marqué au travail de l’épiderme de ses œuvres, affectionnant les effets de surfaces contrastés : s’opposent l’aspect lisse et brillant de l’émail et la surface rugueuse et mate de la terre travaillée. Le même goût du contraste se retrouve dans les coloris : aplats intenses vifs et primaires affrontent des épidermes blancs ou gris et mouchetés.
S’offrant à la vue, les œuvres de McKirdy procurent une immense sensation d’apaisement. Mais rapidement, l’envie de toucher, de caresser les surfaces et les formes devient irrésistible. On voudrait effleurer l’émail brillant, lisse et froid, soupeser la sphère, tâter son irrégularité à peine perceptible. 
Les œuvres semblent presque posséder un pouvoir d’attraction. Il apparaît vite que seul au toucher elles pourraient complètement se révéler. Une tension et une tentation manifeste dont l’artiste a pleinement conscience et sur laquelle elle avoue jouer dans cette exposition. Car certaines de ses œuvres sont originellement conçues comme manipulable. Ainsi, telle sculpture évoque un jeu d’adresse. Les sphères sont amovibles et dissimulent des trous. Plus loin, pour démontrer un propos, elle se saisit d’un des membres d’une œuvre intitulé Famille. Et le public fond d’envie de pouvoir faire de même.
A l’étage, la présentation du travail de Kristin McKirdy se poursuit dans le parcours d’exposition des collections permanentes avec quinze œuvres réalisées durant la résidence de l’artiste à Sèvres entre 2008 et 2012. Le choix scénographique de confronter des pièces contemporaines et des porcelaines du XVIIIème siècle prolonge le dialogue avec l’histoire des ateliers de Sèvres, que l’artiste a engagé pendant ses quatre ans de résidence. Du fait de sa formation première en histoire de l’art, Kristin McKirdy ne pouvait rester indifférente face au riche passé historique de la manufacture et aux extraordinaires collections et archives que son musée conserve. Cet intérêt s’est matérialisé par différents biais, tant sur le plan technique que formel.
Lors de sa résidence, Kristin McKirdy a expérimenté pour la première fois la technique de la porcelaine, fleuron du savoir-faire de la manufacture de Sèvres. Explorant les archives de l’institution, l’artiste, aidée des artisans, a par ailleurs cherché à retrouver certains secrets d’émaux particulièrement précieux. Enfin, au terme de ce dialogue Kristin McKirdy s’est confrontée à la question du décor et de l’ornement, qu’elle avait jusque là occulté de son travail. Explorant le répertoire ornemental du XVIIIème, elle a produit Famille et Bones.
Ces quinze pièces, qui clôturent l’exposition, invitent la poursuite de la visite dans les collections historiques du musée, témoignent de la richesse des approches de Kristin McKirdy face à l’histoire de la manufacture. Pari réussi pour la Cité de la Céramique, donc, qui avait invité l’artiste afin qu’elle « explore le répertoire de Sèvres et en propose une relecture contemporaine »
Mes sincères remerciements à l’équipe de la Cité de la Céramique, qui a offert au groupe SMV une excellente soirée et à l’artiste pour nous avoir donné, avec une simplicité et gentillesse, des clés pour comprendre son travail.