Il semblerait presque qu’une invention de Jules Verne ait envahi une vue gravée de Paris comme en produisaient de nombreux aquafortistes de la seconde moitié du XIXe siècle. Nous sommes à l’extrémité nord de la place de la Concorde. La façade latérale du ministère de la Marine se dresse, massive, à notre gauche. Le ciel est dégagé, le temps clair. Mais la foule s’agite : tous ont les yeux braqués vers le ciel. Les chevaux de la garde s’affolent tandis que des coups de fusil détonnent. On tire en l’air. Dans le ciel a surgi un étrange cortège d’êtres volants : entouré d’un escadron de poissons, un char tiré par sept chevaux survole Paris. À ses côtés vogue une pirogue mue par des ailes.
Vision fantasmagorique d’un Paris envahi de créatures étranges, cette estampe est l’œuvre d’un graveur fameux et torturé, Charles Meryon, figure emblématique et singulière, qui illustre le renouveau de l’eau-forte au milieu du XIXe siècle.
Charles Meryon, Ministère de la Marine, eau-forte, 6ème état (détail) Gallica/BnF
Depuis quelques jours, le Palais-Royal a retrouvé sa belle perspective : le théâtre éphémère, qui occupait la galerie sud du jardin est désormais démonté, signe de l’achèvement des travaux de la Comédie Française. Pour fêter l’événement, et parce que le théâtre éphémère me faisait sans cesse penser au « camp des tartares » qui occupait le même espace il y a deux siècles, je vous propose une série de deux billets sur l’histoire du Palais-Royal.
Le Coeur d’après Lépinasse, Vue du jardin du Palais Royal, de ses batiments et galleries, estampe en couleurs, 1791, Gallica/BnF
En 1803, Louis-Pierre Baltard réalise une série de dessins au Palais du Louvre : à la sanguine, il reproduit les ornements sculptés des façades et des plafonds. Cette série de dessins, achetée par le collectionneur Destailleurs est aujourd’hui conservée à la Bibliothèque nationale de France et numérisée sur Gallica. Curieuse, j’ai profité d’un samedi après-midi pour marcher dans les pas de Baltard et retrouver les détails qu’il avait dessinés.
Baltard, Accumulation de détails de la salle des cariatides, dessin, 1803, Gallica/BnF
Le week-end dernier, je participais pour la seconde fois à Paris Face Cachée. Tous les ans, au début du mois de février, Paris Face Cachée ouvre les portes de lieux confidentiels, habituellement fermés au public. Usines gigantesques, souterrains obscurs, coulisses de salles de spectacles réputées, ateliers d’artistes, réserves de musées, tout ce qui est habituellement inaccessible est dévoilé aux yeux des curieux. L’occasion de découvrir l’autre face de la capitale donc, et, le temps d’une visite de rencontrer ceux qui travaillent à faire notre ville dans toute sa diversité.
Paris Face Cachée tombe à une période creuse de l’année : les Journées du Patrimoine sont déjà loin, et il est encore trop tôt pour penser à la nuit des musées ou aux rendez-vous au Jardin. Il faut certes braver le froid, mais le jeu en vaut la chandelle : une centaine d’endroits insolites sont ouverts aux visiteurs le temps d’un week-end. Pour Paris Face Cachée, aucune file d’attente, il suffit de prendre rendez-vous. Quelques semaines avant l’événement, le programme est dévoilé, mais seulement en partie. Pour conserver le mystère, le contenu des visites n’est pas clairement explicité et prend la forme d’une description énigmatique (certes facile à percer pour le public averti !). Les inscriptions se font en deux vagues successives, jusqu’à remplissage des jauges. Autant dire qu’il faut être rapide pour décrocher le précieux sésame !
Sa silhouette est entrée dans la légende du Paris d’autrefois : construite sous Philippe Auguste, la Tour de Nesle s’est fièrement dressée dans le ciel parisien durant quatre siècles et demi, avant de laisser place au Collège des Quatre Nations (aujourd’hui l’Institut de France). Élément marquant et pittoresque du paysage, elle a marqué des générations d’artistes, qui se sont plu à la représenter. Détruite en 1665 mais jamais totalement oubliée, elle renaît dans la littérature au XIXe siècle. Attachée à de bien sombres légendes, elle pénètre la culture populaire sous des formes parfois inattendues, au point de devenir un archétype du Paris disparu.
La bibliothèque Mazarine lui consacre jusqu’au 14 décembre 2014 une exposition : sur le lieu même du « crime », nous sommes invités à suivre l’enquête pour démêler la légende de l’histoire, l’imaginaire du réel.
Jacques Callot, Vue du Pont Neuf, vers 1629-1630, eau-forte, Gallica/BnF (détail)
C’est l’histoire d’une tour de Paris, comme il en existait une dizaine dans le paysage médiéval de la Cité. Toutes ou presque ont disparu, et elle seule demeure ancrée dans l’imaginaire collectif, popularisée au XVIIe siècle par quelques vues topographiques gravées et, deux siècles après sa destruction, par la littérature et le théâtre.
Théodore de Robville, Histoire complète de la tour de Nesle, 1861 (frontispice et page de titre)
Près d’un siècle et demi après la Commune, les photographies des ruines laissées dans la capitale par ces événements continuent à fasciner. Elles dévoilent notre paysage parisien quotidien sous un jour étrange, presque inconcevable à nos yeux : des lambeaux fumants. Alors que l’histoire de la Commune est assez floue dans la mémoire collective, ces images nous frappent : quelles sont ces scènes apocalyptiques dans les rues de notre « ville-musée » que nous pensons immuable depuis Haussmann?
Rue de Rivoli, photographie anonyme, Paris incendie, 1871, Album historique, BNF/Gallica
C’était un dimanche en forêt de Saint Germain : « il faudrait déjà savoir où nous sommes ». Nous étions planté devant un panneau métallique, à l’orée du bois. Des yeux je cherchais le signal « vous êtes ici » sur la carte… Le signal ou son négatif, le métal nu du panneau, poli par des milliers de doigts… Il devait bien être quelque part… « Ici » m’écriai-je, pointant du doigt un vide sur la carte. « Tu imagines, tout le monde a fait ça, et maintenant le tracé a disparu » me suis-je entendu répondre, sous l’oeil goguenard d’une promeneuse.
Détail de la carte de la forêt de Saint-Germain-en-Laye au lieu dit de la « Grille Royal »
Suite et fin de notre triptyque consacré à l’histoire de la place de la Concorde à l’occasion de l’exposition du musée de la Marine. Après vous avoir raconté la création de la place Louis XV au XVIIIe siècle et l’épique voyage de l’obélisque, il me reste à vous relater le spectacle extraordinaire qui se déroula sous les yeux de 200 000 spectateurs, le 25 octobre 1836 : l’antique monument se dressant lentement dans le ciel parisien!
Cayrac, Erection de l’obélisque en 1836, aquarelle, 1837, Musée de la Marine
Alors qu’une exposition au musée de la Marine relate l’incroyable voyage de l’obélisque qui orne la perspective du Louvre aux Champs-Elysées, je me suis plongée dans Gallica à la recherche d’images de la place avant l’érection du monument… Des marécages à la Révolution, voici une petite histoire illustrée de la place Louis XV avant la Concorde et l’obélisque.
Nicolas Pérignon, Vue de la place Louis XV, avant la construction du Pont, plume, aquarelle et gouache, vers 1780, Gallica/BnF
Comment qualifier le parcours d’Henri Cartier-Bresson? Souvent, de son oeuvre, on ne retient qu’une facette : le photographe de Paris ou le photoreporter, omettant tous les autres aspects de sa riche et longue carrière.
Présentée jusqu’au 9 juin 2014, l’exposition Cartier-Bresson au Centre Pompidou questionne l’unité et la diversité du parcours de ce maître de la photographie du XXe siècle : est-il seulement le photographe de « l’instant décisif »? Plutôt que de me confronter à l’exercice difficile de la critique d’exposition (d’autant que celle-ci, avec 500 artefacts exposés, est une exposition fleuve), je vous livre quelques instantanés de ce qui m’a marquée, touchée.
L’héritage d’Atget
En 1929, Henri Cartier-Bresson (1908-2004) photographie les vitrines des magasins de Rouen. Étranges accumulations de plaques émaillées, de couronnes mortuaires en perles, de costumes ou de faux-cols, voilés du reflet d’une vitre… Dans cette série, l’héritage d’Atget, disparu deux ans plus tôt, se mêle aux influences des surréalistes que Cartier-Bresson fréquente depuis 1926.
Le souvenir d’Atget suivra longtemps Cartier-Bresson, notamment lorsqu’il photographiera la misère itinérante, les clochards dormant sur le bitume, « les visages de la pauvreté ».
Une certaine prédisposition à accueillir le hasard
« Le plaisir de la déambulation urbaine, une certaine prédisposition à accueillir le hasard » ; « La magie circonstancielle est l’autre nom du hasard » : je me suis délectée presque autant des textes de salles que des photographies. Les mots faisaient un délicat écho aux images.
Notre culture visuelle est marquée par les images de Cartier-Bresson, ces clins d’oeil de la vie : un vélo posé sur une paire de seins imprimée en 3×4 pour une réclame publicitaire, des silhouettes noires qui sautent au-dessus des flaques à Saint-Lazare ou devant la Tour Eiffel… Des images si vives et insouciantes qu’on ne sait jamais si il s’agit d’un heureux hasard ou d’une mise en scène si réussie qu’elle en paraît spontanée.
« Il vivait son Leica en main, de l’aube à la nuit, en chasse perpétuelle » (Marc Riboud)
Deux étonnantes vidéos, présentées dans l’exposition, nous donnent des éléments de réponse. On y découvre Henri Cartier-Bresson arpentant les rues, son légendaire Leica caché dans son dos. Il déambule, il erre dans la foule, le regard courant partout, la tête comme une girouette folle. Nerveuse danse qui évoque celle d’un pickpocket à la recherche d’un mauvais coup. L’oeil du photographe s’est accroché à un détail : il dégaine l’appareil, vise et déclenche d’un même mouvement. La scène n’a duré qu’une fraction de seconde et déjà le Leica est hors du champ de vision des passants, dissimulé derrière son dos.
« Il faut être sensible, essayer de deviner, être intuitif: s’en remettre au « hasard objectif » dont parlait Breton. Et l’appareil photographique est un merveilleux outil pour saisir ce « hasard objectif ».
L’art du cadrage
Comment Henri Cartier-Bresson a-t-il fait pour saisir si justement de tels instants? L’instinct du « bon moment », la justesse du déclenchement, la science du cadrage… Les vidéos qui présentent le photographe au travail, « en chasse » ne peuvent que renforcer l’admiration devant ses clichés. Cartier-Bresson semble agir comme s’il pressentait la scène : le cadrage en tête, le Leica devient une véritable extension de son oeil, de sa mémoire et il saisit l’instant au vol.
En 1937, le Royaume-Uni couronne son roi, Georges VI. Cartier-Bresson, en mission pour un quotidien français, Le Soir, prend un point de vue original: ce n’est pas le cortège qu’il montre mais le peuple londonien regardant passer le cortège. Des photographies non dénuées d’une touche d’humour puisque les spectateurs, pour mieux le voir, tournent le dos au spectacle! En effet, nombre d’entre eux utilisent des instruments optiques proches du périscope pour voir au dessus de la foule.
Quel photographe est Henri Cartier-Bresson: un artiste ou un reporter? Naviguant habilement entre les multiples facettes de son oeuvre, l’exposition montre comment Cartier-Bresson sut ne jamais choisir entre les deux, prouvant que photoreportage et photographie artistique n’étaient pas inconciliables.
Au Centre Pompidou, les tirages d’art sont souvent présentés en regard des revues et journaux dans lesquels les clichés sont parus. Une dimension populaire et quotidienne de la photographie de Cartier-Bresson que notre oeil contemporain tend à oublier, plus habitué à voir les clichés du maître sur l’étal des marchands de cartes postales et sur les pages glacées des livres d’art que sur le papier d’une presse quotidienne.
En 1947, Henri Cartier-Bresson est parmi les fondateurs de la mythique agence Magnum, dont le nom est encore aujourd’hui associée au photoreportage de qualité.
Unité et diversité
On ressort de ce voyage à travers l’oeuvre de Cartier-Bresson émerveillé de la diversité de son oeuvre : des vitrines de Rouen aux foules comprimées des derniers jours du Kuomintang, de la grande silhouette de Giacometti sous la pluie aux silhouettes qui volent au dessus des flaques, de la course cycliste des 6 jours de Paris au jeux d’ombres sur l’île de Siphnos, nous avons contemplé 50 ans d’une carrière magistrale sans cesse réinventée où la force de l’image, toujours, prime.
Infos pratiques: exposition jusqu’au 9 juin 2014 au Centre Pompidou. Tarifs et horaires sur le site du musée
Envie de lire d’autres regards sur cette exposition? La visite de Marion sur le blog Culturez-vous ; les impressions d’Uty sur le blog Ecribouille.
C’était il y a un peu plus d’un mois, je traversais le Marais, ralliant la BPI depuis les Archives Nationales. Nous étions entre chien et loup, et comme j’aime le faire, j’explorais aléatoirement les combinaisons de ce chemin quotidien. Au détour de la rue des Blancs-Manteaux, la niche d’une fenêtre murée. Je ne l’avais jamais remarquée auparavant. Dans l’ouverture aveugle, un artiste des rues a niché une ville miniature et immense. Une invitation au voyage lointain et immobile.
Collage de Popeye, Rue des Francs Bourgeois, Paris 3e, février 2014
De la photographie française de la seconde moitié du XIXe siècle, nous regardons souvent les clichés du « Paris qui s’en va ». Avec une pointe de nostalgie, nous admirons les rues d’une vieille ville en sursis, immortalisées par Marville ou Atget alors que progressaient les pioches des démolisseurs. Il est en revanche moins fréquent que nous nous penchions sur l’autre visage de cette même ville, celui du « Paris qui s’en vient », avec ses colossaux chantiers de construction. Pourtant, ce Paris-là a également été photographié à mesure qu’il s’élaborait. Peut-être est-ce que la démolition est toujours plus éminemment romantique que la construction…
Jusqu’à la fin avril 2014, une exposition présentée à la Bibliothèque des Arts Décoratifs propose de redécouvrir quelques facettes de l’œuvre de Louis Emile Durandelle. Spécialisé dans la photographie d’architecture, il a immortalisé les travaux de construction du Sacré Cœur, de l’Opéra et de la Tour Eiffel, mais aussi ceux de restaurations de quelques sites anciens, tels le Mont Saint-Michel.
Alors que la postérité a retenu Daguerre comme « inventeur » – du moins révélateur – de la photographie, un autre aspect de sa carrière – et non des moindres – est tombé dans l’oubli: celle de créateur du diorama, l’un des spectacles d’illusion les plus prisés du XIXe siècle. Plusieurs documents disponibles sur Gallica éclairent cette aventure.
Marlet, Le Dyorama… port de Boulogne, lithographie, s. d., coll. George Eastman House, Rochester
Le boulevard périphérique ceinture fermement le Paris d’aujourd’hui. Mais qu’en était-il hier? Les abords de la capitale ont maintes fois changé de visage au cours de l’histoire. A la fin du XIXe siècle et au début du XXe, la « Zone » entourait la capitale. Cette bande de terrains vagues précédait l’enceinte défensive érigée par Thiers. Décrétée inconstructible, elle est pourtant rapidement devenue le refuge d’une population aussi miséreuse que nombreuse. Inquiétant le bourgeois, préoccupant le politique, la Zone est aujourd’hui associée au mythe des bas-fonds parisiens. Les photographies qu’en firent Atget et les employés des agences Rol et Meurisse témoignent de la réalité sociale malheureuse.
Dans un précédent article, je vous parlais de l’affichomanie, cette mode de collectionnisme née alors que l’affiche illustrée envahissait Paris. A quoi ressemblaient ces rues couvertes de papiers colorés? Les superbes images de Chéret, si convoitées aujourd’hui sur le marché de l’art, étaient elles-vraiment placardées sur les palissades, laissées aux outrages du vent et de la pluie? Les photographies d’Atget, disponibles en grand nombre sur Gallica, témoignent de la réclame à Paris autour de 1900.
Atget, Rue de l’abbaye : Saint-Germain des Prés, 1898, Gallica/BnFAtget, Rue des Deux-Ecus pendant sa démolition, 11 Septembre 1907, Gallica/BnF
L’oeil averti devine sur ces photographies quelques affiches passées à la postérité. Certaines d’entre-elles, présentes dans les collections du département des estampes, ont été numérisées et il est possible de les mettre en regard de ces vues parisiennes. L’exercice est cependant un peu difficile, du fait de la piètre résolution des numérisations d’Atget, mises en ligne en 2007. Les possibilités techniques ayant évoluées, Gallica s’est heureusement lancée dans une opération de re-numérisation de ses fonds précieux. Pour retrouver dans Gallica les documents qui ont servis aux montages qui suivent, cliquez sur les liens dans le texte!
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